Presentación del Museo de Fotografía Contemporánea en Chicago

La relación del espectador con las imágenes cambio, según Giulio Carlo Argán, crítico de arte italiano, quien en su libro El Arte Moderno. Del Iluminismo a los movimientos contemporáneos explica con detalle los grandiosos progresos a nivel de la técnica y la aplicación del “nuevo invento” de la cámara fotográfica. Apareció la fotografía “artística”, la fotografía estroboscópica (que capta el movimiento)y la cinematografía, sumadas a la producción industrial de cámaras de todo tipo; transformaron la relación Imagen / público. Apareció una nueva figura que no existía en el arte: el fotógrafo, quien a su vez heredo las funciones y posiciones sociales que hasta ese momento habían estado en manos de los pintores. 

La fotografía ha dejado de ser relegada como un arte menor, como era considerada hasta hace pocos años. Ha tomado un lugar de alto perfil al nivel de las otras artes visuales, como el dibujo, la pintura o el grabado. Una prueba palpable es el posicionamiento que ha tomado el Museo de Fotografía Contemporánea en Chicago, estado de Illinois en los Estados Unidos, un país considerado como un importante epicentro del arte contemporáneo. 

¿Cuál es la función del Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago? 

El MoCP o Museo de Fotografía Contemporánea fue creado y fundado en el año 1976 por el prestigioso Columbia College de Chicago, ciudad que se considera la tercera con mayor población del país, luego de la “capital del mundo” Nueva York y Los Ángeles en California. Se estableció como sucesor del Centro de Fotografía Contemporánea de Chicago y desde ese momento no ha parado de crecer. 

Es la sede del proyecto Fotógrafos del Medio Oeste conocido como MPP, organismo que custodia portafolios valiosos de fotógrafos y artistas residentes del Medio Oeste y aloja una cuantiosa colección permanente y exposiciones itinerantes de especial interés relacionadas con la fotografía contemporánea. 

La colección comenzó a formarse a comienzos de la década delos años 80 y desde ese momento ha ido acrecentando su acervo, hasta lograr la inclusión de más de 15.000 objetos y arte de más de 1500 reconocidos artistas. La Alianza Americana lo apoya y acredita como uno de sus miembros.  

El MoCP se inició como colección definida como “contemporánea”, incluyendo obras destacadas de fotógrafos de los Estados Unidos desde comienzos de los años 50. A principios de la década del año 2000 se redefinió y la fecha fue un poco más atrás para que fueran incluidas las obras del Farm Security Administration, que está conformada por obras de la década de 1930 y además se integraron a la numerosa colección obras de artistas de relevancia internacional. 

¿Qué fotógrafos destacados  conforman la colección permanente del MoCP? 

La valiosa colección incluye obras fotográficas de los destacados artistas del lente como:  

  • Henri Cartier-Bresson 
  • Ansel Adams 
  • Julia Margaret Cameron 
  • Dorotea Lange 
  • Harry Callahan 
  • Walker Evans 
  • Irving Penn 
  • Aaron Siskind 
  • David Plowden 
  • Victor Skrebneski 

Los cuales son algunos de los más destacados y valorados de un extenso grupo de más de 15.000 fotografías, objetos fotográficos, valiosas impresiones en gelatina de plata, piezas digitales, trabajos en color, fotogramas y diversos procesos alternativos de la fotografía actual. 

El Cine es arte primero que la Fotografía 

A pesar de ser un invento posterior a la fotografía, el Cine obtuvo su elevado estatus artístico dentro de las artes plásticas y visuales. Esto quizás se debió a que notorios personajes del mundo del arte como Charles Baudelaire (el poeta maldito) se refería a que el arte había visto reducida su dignidad “postrándose ante la realidad exterior”, tal como lo plantea la fotografía. Eugene Delacroix, artista relevante, aseguraba que las intenciones del pintor eran destacar aquello “que jamás percibirá ningún aparato mecánico”. 

Pese a opositores como ellos la fotografía siguió adelante desarrollándose como arte y consiguió liberar la pintura de su función “mimética”. Argán marco distancia al asegurar que la fotografía reproduce “la realidad tal como es” y la pintura la reproducía “tal como se ve”. Pero no se quedó allí, ya que muy pronto fotógrafos como Nadar con sus primeros retratos o Eugene Atget con sus escenas callejeras demostraron que en los fotógrafos y por supuesto en la fotografía existe una “mirada” sin ninguna duda personal. 

La Fotografía ostenta el octavo lugar 

La fotografía ostenta el octavo lugar en este “ranking” de las artes, luego del Cine, el cual es conocido como “el séptimo arte”. Este posicionamiento o ranking surgió en 1911 cuando Ricciotto Canudo, un periodista italiano, público el famoso “Manifiesto de las siete artes”, al que se le agrego mucho tiempo después el comic como el noveno arte. 

¿Cuándo aparecieron las posibilidades artísticas de este nuevo medio? 

El fotógrafo escoces David Octavius Hill, lo descubrió al tomar la fotografía como medio en el que se apoyó para ejecutar un encargo muy complejo: un retrato de carácter pictórico del numeroso grupo de 474 ministros pertenecientes a la  Iglesia Escocesa. Las posibilidades expresivas de la fotografía lo decidieron a abandonar definitivamente la pintura y asociarse con Robert Adamson para realizar retratos y escenas del día a día. 

Mathew B. Brady, líder de un gran equipo de 20 fotógrafos, con su notable desempeño destaco la importancia que aportaba la fotografía como un recurso documental sin precedentes. La Guerra Civil Estadounidense (1861-1865) fue documentada de manera exhaustiva a desde la perspectiva del bando de la unión. 

La democratización: fácil manejo y bajo coste 

Cuando en 1888 George Eastman lanzo la famosa cámara Kodak, la fotografía salto a las clases más populares y se democratizo, gracias a su rollo de celuloide muy flexible, su manejo fácil y costes muy bajos. Apareció de esta forma la fotografía “aficionada” la cual creo malestar en los fotógrafos que ya habían asumido la cámara como un recurso artístico. Debido a esto aparecieron movimientos como el llamado “Pictorialismo” con la intención evidente de reivindicar los valores estéticos y artísticos de este medio expresivo. 

Previamente la “fotografía academicista” baso su planteamiento en géneros y temas pictóricos, con sus desnudos y pinturas épicas, creadas mediante complejas técnicas para el revelado y el tratamiento de las imágenes. En un primer periodo los pictorialistas se acercaron  de manera sugerente a las bellas artes.  

En el Diccionario histórico de la Fotografía, Paloma Castellanos afirma que este acercamiento lo lograron al imitar “composiciones y efectos especiales de la pintura, influidos por artistas como Turner, Degas, Monet y los japoneses”. 

¿Qué es la Fotografía Directa? 

En la búsqueda de distanciarse del “embellecimiento artístico” Alvin Langdon Coburn, Alfred Stieglitz y Edward Steichen, crearon un movimiento llamado Photo-Seccesion, bajo cuyo liderazgo se creó una publicación fundamental y emblemática: Camera Work y además abrieron una galería con un concepto y planteamiento que defendía la fotografía como medio y recurso basado en una expresión unipersonal e individual de cada artista. 

Paul Strand, pilar fundamental de la Fotografía Directa aseguraba que el aparato fotográfico no era usado para: “explotar y degradar a los seres humanos, sino como un instrumento para devolver a sus vidas algo que hacía madurar la mente y refrescar el espíritu”. Esto sentó las bases que distanciaron el embellecimiento en modo artístico para la creación de imágenes conmovedoras sin manipulaciones de la imagen o “trucos fotográficos”. 

La fotografía en general se convirtió en un gran recurso que nos ayuda a contemplar nuestra existencia y nuestras vivencias desde nuevas perspectivas  apoyada por el desarrollo de la nuevas tecnologías que crecen de manera desmesurada. El Museo con su cuantiosa colección atesora todas las vertientes fotográficas y las ofrece al público en sus salas. 

En esta web además te contamos sobre otros museos destacado de la ciudad de Chicago.